Vivere il Jazz. Intervista Esclusiva Con il Pianista e Compositore Arrigo Cappelletti.

Vivere il Jazz. Intervista esclusiva con il pianista e compositore Arrigo Cappelletti.

Intervista di Tiziano Thomas Dossena

Nasce a Brunate (Como) il 12.2.49. Dopo una laurea in Filosofia e aver insegnato alcuni anni nei Licei, si è dedicato al jazz realizzando finora vetisei dischi a suo nome di cui almeno quattro (Samadhi, Reflections, Pianure e Terras do risco) hanno avuto importanza nella definizione di una via italiana al jazz fatta di lirismo, introspezione e collegamenti con altri universi musicali. Ha collaborato con molti artisti del jazz e del fado,  con la cantante Mia Martini e con l’orchestra nazionale di jazz di Giorgio Gaslini. Nel 1988 la rivista americana Cadence ha inserito il suo disco “Reflections” tra i dieci migliori dischi dell’anno.

Molto attivo anche come scrittore e saggista, ha pubblicato i volumi  “Il profumo del jazz” (1996),  “Paul Bley, la logica del caso” (2004),  “Paul Bley. The Logic of Chance (2010), “La filosofia di Thelonius Monk” (2014) e “Le avventure di un jazzista filosofo” (2016).

Tiziano Thomas DossenaIl tuo omonimo nonno fu un compositore conosciuto e rispettato. Tu hai curato la stesura di un libro a titolo “Arrigo Cappelletti musicista comasco 1877-1946”, che raccoglie gli atti della giornata di studio tenutasi a Como il 16 gennaio 2010. Che sensazione ti ha fatto quando hai iniziato nel campo della musica di avere un parente con il tuo stesso nome e con una fama rispettabile? In che modo può avere influenzato le tue decisioni musicali?
Arrigo Cappelletti: Mio nonno, che non ho mai conosciuto, è una figura fondamentale della mia infanzia perché mio padre architetto me ne parlava sempre e quando ho cominciato a suonare il piano mi induceva a suonare le sue composizioni o mi portava all’opera e ai concerti sperando  che io pure diventassi musicista . Ho quindi vissuto buona parte dell’infanzia e dell’adolescenza in un ambiente dominato dalla figura del nonno, prendendo (poche) lezioni di pianoforte e rovistando nei numerosissimi suoi spartiti rimasti in casa, ma non sono mai stato disposto ad accettare la fatica e i severi studi necessari a seguire la sua strada. Per me che volevo cambiare il mondo e avevo un temperamento ribelle, fare il pianista di professione o studiare composizione classica risultava ripetitivo e noioso, e comunque non abbastanza radicale. Alla fine del liceo ho così preferito iscrivermi alla facoltà di filosofia e intraprendere la carriera di insegnante nei licei. Non potevo prevedere che da lì a poco sarebbe esplosa la passione per il jazz, musica che nessuno  mi aveva fatto ascoltare ma che subito mi è apparsa come la più vicina alla mia indole libera e anarchica. All’inizio mio padre, che voleva fare di me un musicista classico e in più non amava la filosofia, non c’è rimasto bene. Il jazz non gli sembrava rispettare abbastanza i codici della musica colta. Solo verso la fine della vita si è convinto. Per quanto riguarda il nonno, una volta conseguita una certa consapevolezza e sicurezza in me stesso, mi sono liberato dei complessi e ho incominciato a guardare con crescente curiosità e interesse alla sua figura, soprattutto come compositore. Mi sembrava un bel modo per indagare nelle mie radici profonde. Da lì ha preso le mosse l’idea di dedicarmi a una rivalutazione della sua opera, organizzando pubblicazioni, esecuzioni e convegni di studio, spesso mettendomi in gioco in prima persona come esecutore, come è avvenuto per il trio  per pianoforte, violino e violoncello o per l’elegia per mandolino e pianoforte. E l’amore per mio padre ha di certo giocato il suo ruolo.

Tiziano Thomas Dossena: Nel 1986 uscì il tuo CD a titolo Samadhi. Parlacene un po’, di quello che rappresenta per te e per il jazz italiano e di che cosa volevi ottenere.
Arrigo Cappelletti: Samadhi non è stato il mio primo disco (ne avevo già realizzati due in trio) ma, essendo il frutto della mia prima collaborazione importante, quella col sassofonista pugliese Roberto Ottaviano, è stato probabilmente il primo a darmi la consapevolezza di poter svolgere un ruolo di rilievo nell’ambito del jazz italiano. Con Roberto ci ispiravamo al quartetto di Miroslav Vitous (quello con John Surman, Kenny Kirkland e Jon Christensen) avendo in mente atmosfere liriche, struggenti, rarefatte di vaga impronta nordica.
È con quel disco che ho preso coscienza per la prima volta dell’importanza per il mio jazz della componente melodica e del piacere che mi dava scrivere temi piuttosto elaborati e complessi armonicamente.

Tiziano Thomas Dossena: Seguisti nel 1987 con Reflections, altro importante passo sia per te sia per il Jazz italiano. Difatti, nel 1988 la rivista americana Cadence lo ha ha inserito tra i dieci migliori dischi dell’anno
Arrigo Cappelletti: Reflections è stato il primo disco in cui ho potuto esprimere per intero il mio amore per Paul Bley, pianista da me scoperto all’inizio degli anni ’80. Il modo in cui Paul Bley si avvicinava agli standards, lirico e sghembo, mi affascinava almeno quanto le sue improvvisazioni  libere, profonde, imprevedibili. Mi piaceva l’idea, instillatami da Paul Bley, di un pianismo libero e innovativo con i piedi ben piantati nella tradizione. E questa idea di ‘gettare ponti’, di realizzare il collegamento fra tradizioni e generi musicali lontani o addirittura opposti è sempre stata una costante della mia musica.

Tiziano Thomas Dossena: Altro CD punto di riferimento è Pianure del 1990. Che cosa lo distingue dai precedenti?
Arrigo Cappelletti: Come i dischi precedenti sono stati il risultato di una ‘cotta’, per Paul Bley e parzialmente per Keith Jarrett, anche questo è stato il frutto di una ‘cotta’: questa volta per Astor Piazzolla. Il tango argentino l’avevo già scoperto da qualche anno, al punto da intitolare “Tango” uno dei brani di Samadhi. Ma era un tango in 7/4 e aveva ben poco a che fare con Piazzolla. Con Pianure invece ho cercato di trasferire in ambito jazzistico le atmosfere del quintetto “Nuevo Tango” di Piazzolla, scrivendo brani pensati apposta per il suo bandoneon. Sfortunatamente non esistevano allora bandoneonisti in Italia e il mio tentativo di affidare la mia musica allo stesso Astor Piazzolla fallì a causa dell’ictus che l’avrebbe portato poi alla morte, nonostante egli  avesse ascoltato le mie composizioni  e dichiarato la sua disponibilità. Successivamente ho incontrato a Parigi un altro bandoneonista, Olivier Manoury, con il quale ho portato avanti diversi progetti sempre ispirati al tango jazz. All’epoca di Pianure invece mi sono affidato al fisarmonicista Gianni Coscia, che si è adattato benissimo alla mia musica ma ha finito col darle una coloritura più sottilmente malinconica che drammatica. Con lui e la cantante Gioconda Cilio ho realizzato una lunga collaborazione che è sfociata in ben due cd  di songs  da me scritte su testi di poeti del ‘900 e nel mio primo concerto in Portogallo durante l’Expo ’98 a Lisbona.

Tiziano Thomas DossenaChe cosa ti ha spinto a vivere in Portogallo?
Arrigo Cappelletti: Il fattore scatenante è stato l’invito a partecipare ad Expo ’98 a Lisbona in rappresentanza dell’Italia ma già da qualche mese avevo incominciato a prendere confidenza con la lingua e la cultura portoghese tramite una amica italo-portoghese residente a Milano.
È allora, mentre provavo a trasferirmi da Milano nella vecchia casa di famiglia a Bormio in Valtellina, che ho scritto le mie prime canzoni su testi di poeti portoghesi e in particolare di Fernando Pessoa. Quando mi fu comunicato l’invito a suonare a Lisbona mi sembrò davvero un segno del destino e decisi di andare in Portogallo un mese prima del concerto per trovare una cantante adatta a interpretare le mie canzoni accanto a me e al fido Gianni Coscia alla fisarmonica. Da allora sono tornato molte volte in Portogallo, approfittando dell’ospitalità di una cara amica, ma non ci ho mai vissuto per lunghi periodi.

Tiziano Thomas Dossena: Che cosa ti ha portato alla registrazione di Terras Do Risco? Perchè tu lo ritieni uno dei punti cardinali della tua produzione musicale?
Arrigo Cappelletti: Ad Expo ’98 con me e Coscia si esibì una giovane cantante portoghese, Barbara Lagido. Ma per il progetto discografico che subito dopo incominciai a coltivare mi occorrevano musicisti più esperti e che provenissero dal mondo del fado, dato che l’idea era di fondere il jazz con i colori e le atmosfere del fado. Il cantante e chitarrista Jorge Fernando, che la mia amica portoghese gentilmente mi fece conoscere,  me li offrì su un piatto d’argento presentandomi due autentiche ‘star’ del fado, la cantante Alexandra e il chitarrista Custodio Castelo, grande specialista di chitarra portoghese (quella che in Portogallo si chiama “guitarra”). Il gruppo si completò con un giovane italiano, Daniele Di Bonaventura al bandoneon, quasi a trasferire la mia vecchia passione per questo strumento dal tango argentino all’ambito portoghese. Così registrammo a Lisbona Terras do risco, un titolo ispirato al romanzo di una scrittrice portoghese, Agustina Bessa Luis, inteso a sottolineare il carattere di rischio e di avventura rappresentato da questa inedita fusione fra jazz e fado mai tentata fino ad allora e portata avanti per di più in trasferta, con tutti i problemi e le difficoltà che questo comportava. Un’avventura musicale senz’altro riuscita ma che poteva avere ben altro successo sul piano commerciale se l’etichetta che stampò il disco in edizione lussuosa, come audio-book, l’italiana Amiata records, ne avesse curato maggiormente la promozione e la distribuzione. Uno dei tanti rimpianti della mia vita musicale.

Tiziano Thomas DossenaE per quale ragione sei stato in Russia?
Arrigo Cappelletti: Come per il Portogallo il mio interesse per la Russia è stato all’inizio artistico-culturale. In famiglia era quasi un obbligo leggere i romanzi russi e si ascoltava un sacco di musica russa, soprattutto Mussorgsky, Scriabin, Shostakovitch. Poi, in un momento particolarmente effervescente e dinamico della mia vita, ho deciso di passare una breve vacanza a Pietroburgo e in quell’occasione ho conosciuto la mia futura seconda moglie Anna. Da quel momento ho iniziato una serie di brevi visite a Pietroburgo, nel corso delle quali sono entrato in contatto con l’ambiente musicale della città e ho suonato spesso come solista e come accompagnatore della cantante e performer Polina Runovskaya. Prima di iniziare a insegnare nei conservatori, ho addirittura pensato di trasferirmi là ma le difficoltà della vita musicale in Russia e la passione di Anna per l’Italia mi hanno convinto a rinunciare. In seguito a questa esperienza ho scritto canzoni direttamente su testi di poeti russi del 900, affidandole prima a Polina Runovskaya e poi a una cantante italiana che conosce il russo, Nicoletta Petrus, e credo di essere uno dei pochissimi compositori italiani ad averlo fatto se non l’unico. Queste canzoni sono uscite quest’anno, insieme ad altre portoghesi cantate da Maria Anadon, nell’album “Different Shades of Melancholy” per l’etichetta italo-giapponese di Edmondo Filippini Da Vinci Classics.

Tiziano Thomas Dossena Il tuo percorso musicale è lungo e ben variato, pur essendoti attenuto alla musica jazz. Quando fu che tu decidesti di fonderci il tango nelle tue composizioni?
Arrigo Cappelletti: Nonostante mi affascinasse, non ho mai praticato davvero il tango tradizionale e quando ho tentato di farlo sono stato accusato di non suonare in modo conforme al codice. Il fatto stesso che per me il tango si sia sempre identificato con Astor Piazzolla conferma questa mia relativa estraneità. Piazzolla non è mai stato visto in Argentina come un vero rappresentante del tango e la sua musica è ancora oggi considerata nel suo paese un ibrido di tango e avanguardia  che non incarna l’intima essenza del tango. Più ancora che per Piazzolla per me il tango non è mai stato  una ‘maniera’ ma piuttosto un’mood’, un’atmosfera il cui simbolo è il bandoneon, uno strumento che mi ha affascinato fin dall’inizio per la sua sottile, perentoria drammaticità. Quando con gli anni la passione per il tango  si è attenuata, questo è rimasto  come una sorta di retro-gusto, di fondo segreto della mia musica. Ancora oggi mi stupisco di come una certa iper-espressività drammatica, alcuni passaggi melodici, la tendenza a pensare ‘in battere’, caratteristici della mia musica, debbano più ad Astor Piazzolla  che al codice be-bop.

Tiziano Thomas Dossena: Che cosa ti ha spinto a comporre veri e propri fado? Secondo te, che cosa hanno apportato le tue composizioni di fado a quelle tradizionali.
Arrigo Cappelletti: Per il fado vale lo stesso discorso fatto per il tango. Il fado è musica basata su giri armonici estremamente semplici, a volte niente più che una marcetta in 2/4. Ma i melismi arabeggianti della voce e le sonorità evocative della chitarra portoghese, uniti alla drammaticità di contenuti quasi sempre legati al tema dell’emigrazione, ne fanno la musica più adatta a esprimere il sentimento tipicamente portoghese della ‘saudade’. Il mio progetto era di conservare questo carattere di ‘musica della saudade’ grazie alla presenza della chitarra portoghese e a voci autenticamente fadistiche ma all’interno di composizioni melodicamente e armonicamente complesse e a testi importanti come quelli di Pessoa. La componente jazzistica era assicurata dagli spazi improvvisativi lasciati a ciascuno strumento e dal dialogo costante fra di loro.

Tiziano Thomas Dossena: Questo tuo stile di mischiare sonorità tradizionali (tango, fado) con il jazz è una cosa nuova o esistevano già dei precedenti? Che cosa ti stinola di più in queste esperimentazioni musicali?
Arrigo Cappelletti: Il jazz ha dimostrato nel corso della sua storia di essere musica onnivora, in grado di metabolizzare i più diversi generi e le più imprevedibili tradizioni musicali. Non posso escludere che tentativi analoghi ai miei siano stati compiuti, ma per quanto riguarda il tango gli unici gruppi ai quali nel ’90 facevo riferimento erano il trio del bandoneonista Juan José Mosalini (basato su musica quasi interamente scritta) e il quintetto di Enrico Rava con Dino Saluzzi al bandoneon nel disco “Volver”, che però riecheggia uno schema tipicamente jazzistico. Per quanto riguarda la commistione fra jazz e fado avevo in mente un cd di Maria Joao e Mario Laginha con ospiti come Dino Saluzzi, Raph Towner e Trilok Gurtu intitolato “Fàbula” dove però i riferimenti sono più la musica brasiliana, indiana e il folklore argentino che il tradizionale fado portoghese. Gli ultimi 20 anni hanno assistito a una vera e propria mondializzazione del jazz, con un sacco di esperimenti di commistione fra jazz e musiche del mondo. Alcuni di questi esperimenti sono stati spuri e scarsamente sinceri, altri frutto di passione autentica. Ho la pretesa di ritenere che i miei rientrino in questa seconda categoria.

Tiziano Thomas Dossena:  Suppongo che “Spiritual and Christmas Songs” si stacchi dalla tua produzione jazzistica…
Arrigo Cappelletti: È un progetto che mi è stato commissionato da Eurarte per il Natale 2001. In quell’occasione Ennio Cominetti mi fece conoscere una serie di canti popolari natalizi appartenenti alla tradizione anglosassone. A questi, per completare il progetto, ho aggiunto alcuni famosi Spirituals. È un cd di inni a carattere religioso in cui è facile riscontrare la mia vecchia passione per il pianista sudafricano Abdullah Ibrahim con le sue solenni ed estatiche meditazioni per piano solo.

Trio Arrigo Cappelletti: il pianista con John Hebert e Jeff Hirschfield

Tiziano Thomas Dossena: Una delle tue visite negli USA ha portato alla registrazione di “Arrigo Cappelletti Trio in New York”. Come fu deciso questo rapporto tra te, John Hebert e Jeff Hirschfield?
Arrigo Cappelletti: Fino al 2005 non ero mai stato a New York. Sognavo da anni di andarci e di registrarvi un disco. È incredibile quello che rappresenta per un jazzista NY e desideravo scoprire quali stimoli ed emozioni mi avrebbe dato registrare un disco nella autentica capitale del jazz. L’occasione mi è stata offerta da Alessio Brocca della Music Center che, dopo anni di amicizia e collaborazione (Alessio noleggia pianoforti per concerti), decise di finanziarmi viaggio e registrazione. I collaboratori li avevo già scelti: John Hebert al contrabbasso e Jeff Hirshfield alla batteria, due grandi dell’avanguardia newyorchese che avevo già avuto modo di ascoltare in Italia con il trio di Frank Kimbrough. E per lo studio seguii il consiglio di un critico jazz italiano residente a NY, Luigi Santosuosso, che mi suggerì lo studio di John Kilgore sulla 9th Avenue.

La registrazione ha dato luogo a ben 2 cd, “Trio Arrigo Cappelletti in NY”, pubblicato subito nel 2005 per la Music Center, e “In a Lyrical Mood”, con gli “scarti” della prima registrazione, pubblicato 5 anni dopo nel 2010 dalla Philology di Paolo Piangiarelli, due cd molto diversi, più sperimentale e con brani prevalentemente di mia composizione il primo, più classicamente jazzistico il secondo. A distanza di anni sono molto soddisfatto del risultato e noto che il fatto di registrare a NY ha reso il mio jazz meno ‘europeo’ e più il linea con il contesto nord-americano.

Tiziano Thomas Dossena: Tu ammiri molto Paul Bley, al punto di aver scritto un libro su di lui. Che cosa ti ha colpito di più in lui?
Arrigo Cappelletti: Paul Bley è per me un Maestro e un secondo padre. Senza di lui probabilmente non avrei fatto il musicista di jazz. Difficile dire in poche parole cosa mi ha più colpito in lui. Ma forse è la unità di opposti rappresentata dalla sua musica, capace di unire tonalità e atonalità, lirismo e sprezzatura, forma e libera esplorazione. Su di lui ho scritto un libro che è stato l’appassionata occasione per fare i conti con la mia propria poetica e che, tradotto e pubblicato in inglese dalla casa editrice canadese Vehicule Press, è forse il primo libro di un italiano sul jazz tradotto in inglese.

Tiziano Thomas Dossena: Potresti spiegare ai nostri lettori che non sono esperti di Jazz come mai hai scelto le composizioni di Thelonius Monk per un tuo CD, lo hai registrato da pianista solista ed addirittura hai composto alcuni brani ispirati a lui?
Arrigo Cappelletti: Anche il progetto su Monk è nato da un invito, quello della Open Reel dell’amico Marco Taio, chitarrista e ingegnere del suono specializzato in registrazioni analogiche, a registrare su nastro analogico musiche di Thelonious Monk o a lui ispirate. Questo perché Marco aveva già a disposizione una registrazione su nastro di Monk dal vivo effettuata al Teatro Lirico di Milano. Monk è, insieme a Lennie Tristano, Andrew Hill, Abdullah Ibrahim e naturalmente Paul Bley, uno di quei pianisti austeri, sghembi, anti-convenzionali cui ho sempre guardato con interesse nel corso della mia vita. Dedicare un disco doppio a lui mi ha fatto dunque un immenso piacere. Casualmente l’anno dopo sono stato invitato a scrivere, insieme con un mio studente del conservatorio che aveva scritto una tesi su Monk, Giacomo Franzoso, un libro su Monk per la collana di Musica contemporanea dell’editore Mimesis, “La filosofia di Monk”, e questo, insieme con la registrazione appena realizzata, mi ha reso un vero specialista della musica di Monk.

Tiziano Thomas Dossena: Potresti parlare un poco del tuo libro Il Profumo del Jazz?
Arrigo Cappelletti: “Il profumo del jazz” è il primo libro da me scritto. Fui invitato a scriverlo da mio cugino Massimo Bonfantini, filosofo e direttore di una collana di manualetti e pamphlets irriverenti e polemici sui problemi della comunicazione per l’editrice ESI di Napoli. È un libretto a metà fra il didattico e l’autobiografico, che vorrebbe rappresentare una sorta di invito al jazz per chi non conosce questa musica o ne ignora il “profumo”, l’intima essenza. Oggi, dopo 25 anni e diversi libri scritti sull’argomento, mi appare pieno di vitalità ed entusiasmo, ma ingenuo e decisamente ‘datato’. Quando Luca Cerchiari, direttore della collana di Musica contemporanea, mi ha perciò proposto di riscriverlo, dandone una versione ampliata e aggiornata, ho accettato con entusiasmo. Il libro, in questa nuova versione e con lo stesso titolo, uscirà nei prossimi mesi per Mimesis.

Tiziano Thomas Dossena: Quando suoni dei classici in versione Jazz (Vivaldi, Mozart), qual è lo scopo di queste interpretazioni?
Arrigo Cappelletti: Bisognerebbe forse cercare una spiegazione psicoanalitica per questa mia tendenza a confrontarmi con compositori classici: un omaggio a mio padre, che sicuramente ne sarebbe stato contento, e indirettamente al mio nonno omonimo.

Tiziano Thomas DossenaEsiste una differenza tangibile tra Arrigo Cappelletti parte di un trio o di un quartetto e l’altro Arrigo Cappelletti, quello che compone musiche per video, fonde il tango con il Jazz e compone canzoni fado?
Arrigo Cappelletti: Quando suono in una formazione tipicamente jazzistica come il trio e dove l’improvvisazione e l’interplay  hanno un ruolo predominante, mi sento, per così dire, “ a casa”. Con i piedi ben piantati nella tradizione. So a quali modelli guardare e questo mi rassicura. Dato che si tratta di musica quasi completamente improvvisata questo può sembrare paradossale. Ma in fondo l’improvvisazione jazz è sempre improvvisazione secondo un codice, sia pure un codice aperto. Quando invece scrivo composizioni ispirate ad altre musiche, a immagini, a testi poetici quel senso di sicurezza paradossalmente scompare. Sento di non avere terreno solido sotto i piedi e ho la sensazione di muovermi in terre incognite. Questo dà una certa eccitazione, quella che deve provare un esploratore che muove i suoi passi in terre sconosciute, ma rischia di essere destabilizzante.

Tiziano Thomas DossenaTu hai insegnato sia filosofia al liceo sia Jazz al conservatorio. Quali sono le differenze sostanziali tra le due materie nel rapporto con gli studenti?
Arrigo Cappelletti: Non potendo vivere di solo jazz, nella mia vita ho sempre insegnato, prima filosofia, poi jazz in scuole private e in conservatori statali, da ultimo per 13 anni in quello di Venezia. So che molti colleghi jazzisti vivono l’insegnamento come una seconda scelta. Per me non è così. L’insegnamento mi ha dato moltissimo non solo sul piano umano per il rapporto che sono riuscito a creare con molti studenti ma perché mi ha aiutato ad acquisire consapevolezza di me stesso e della mia musica. Certo insegnare filosofia e insegnare jazz (che poi significa molte cose: non solo Tecnica strumentale ma Armonia, Composizione, Tecniche dell’improvvisazione, Musica d’insieme etc…) è molto differente. Nel primo caso si tratta di un insegnamento prevalentemente teorico, nel secondo la parte teorica non può essere isolata dalla prassi strumentale. Nessuna nozione teorica ha validità in sé, salvo per alcune regole generali di strategia, ma è valida se funziona, se aiuta a suonare meglio. A volte la prassi strumentale arriva al punto di contraddire e mettere in crisi regole precedentemente indicate dall’insegnante come valide. Questa disponibilità a rivedere le proprie certezze, i propri dogmi caratterizza l’insegnamento del jazz e potrebbe essere utile anche per altre discipline (filosofia compresa). Personalmente non ho mai considerato l’insegnamento del jazz e della filosofia come due momenti separati, offrendomi le lezioni di jazz una moltitudine di spunti per riflessioni filosofiche generali su temi come il rapporto tra scrittura e improvvisazione, il tempo circolare, la relazione tra disordine e forma etc…

Tiziano Thomas Dossena: Hai progetti in lavorazione al momento?
Arrigo Cappelletti: Purtroppo il Covid ha fermato un po’ tutto, non solo concerti ma prove, registrazioni discografiche etc…Però la progettualità non si ferma mai completamente e al momento sto lavorando a due progetti: un cd di piano solo di musica completamente improvvisata (ma per farlo ho bisogno di un pianoforte davvero adatto allo scopo) e uno spettacolo di letture accompagnate di Dante per il 700esimo della morte in duo con l’attore lecchese Luca Radaelli. Abbiamo già alcuni concerti fissati per il 2021 e speriamo di trovarne altri, magari anche per l’Istituto italiano di cultura a New York…. È incredibile ma l’accostamento fra Dante e il jazz funziona benissimo.

Tiziano Thomas Dossena: Che cosa fai quando non scrivi o  suoni il piano, adesso che non insegni più?
Arrigo Cappelletti: Sono un instancabile e onnivoro lettore. In più amo molto le passeggiate in montagna e quando, come è capitato ultimamente, ci sono restrizioni agli spostamenti mi accontento delle gite nei boschi sopra Varenna, il paese del lago di Como dove vivo. Sono appassionato anche di sci da fondo….

Tiziano Thomas Dossena: Sogni nel cassetto?
Arrigo Cappelletti: Non ho mai suonato in Giappone e mi piacerebbe farlo. Mi piacerebbe anche suonare con Sting, un artista che ammiro molto e che ama molto il jazz, oppure suonare ancora una volta insieme con il bassista Steve Swallow, con il quale ho avuto l’onore di registrare un disco e fare una breve tournée. Non ho mai avuto la sensazione di essere compreso fino in fondo da qualcuno come quando ho suonato con lui.

Tiziano Thomas Dossena: Se tu potessi incontrare un personaggio qualsiasi e di qualunche epoca, chi sarebbe e di che cosa vorresti parlare con lui o lei?
Arrigo Cappelletti: Come ho detto prima, mi piacerebbe incontrare Sting e collaborare con lui. Ma siccome sono un lettore accanito il mio vero sogno sarebbe di incontrare due scrittrici viventi che ammiro: la canadese Alice Munro e l’americana Jennifer DuBois il cui romanzo “Storia parziale delle cause perse” ho ammirato moltissimo. Con Alice Munro non vorrei discutere di letteratura, mi basterebbe starle accanto, magari mangiando una pizza o parlando di cose di nessun conto, per assorbire almeno in parte il suo equilibrio, la sua saggezza. Con Jennifer DuBois parlare di quanto sia autobiografico il suo romanzo (la sua esperienza della Russia assomiglia molto alla mia) e degli scacchi come metafora della vita.

Tiziano Thomas Dossena: Un messaggio per i nostri lettori?
Arrigo Cappelletti: Quando ascoltate jazz imparate a distinguere chi usa un linguaggio pre-confezionato da chi si mette in gioco ogni volta come fosse la prima.

La ‘Stella’ Del Hip Hop Italiano Scopre L’America. Intervista Esclusiva Con Morgan Brutti.

La ‘stella’ del Hip Hop italiano scopre l’America. Intervista esclusiva con Morgan Brutti.

Intervista di Tiziano Thomas Dossena

Una stella del ballo Hip Hop in Italia si è trasferita negli ultimi anni negli Stati Unitit ed ha ottenuto un successo strepitoso. Cogliamo l’occasione per intervistarla…

L’IdeaMorgan, a che età hai iniziato a ballare?
Morgan Brutti: Ho iniziato a ballare all’età di 5 anni ed è stato amore al primo passo, ricordo ancora il mio primo giorno di danza perchè ero la più piccola di tutta la scuola ! Mia mamma mi racconta sempre di essere stata proprio io a chiederle di iscrivermi a lezioni di ballo perchè avrei voluto diventare una ballerina professionista da grande! Proprio in quegli anni il programma televisivo ‘’Non è la Rai’’, dove un gruppo di ragazze adolescenti si sfidavano a colpi di danza, canto e recitazione; era molto popolare e io non mi perdevo mai una puntata tanto da rimanerne affascinata sognando di diventare una professionista proprio come loro!
Sognavo il mondo dello spettacolo!

L’Idea: Hai iniziato con la danza classica mai poi ti sei dedicate al Hip Hop. Qual è la ragione di tale scelta? Con chi hai studiato?
Morgan Brutti: Esattamente. Ho iniziato a ballare danza classica e modern-jazz per poi passare all’hip hop all’età di 12 anni.
È stato veramente un colpo di fulmine, tanto che la mia predisposizione e capacità al di fuori del comune, come mi definivano, mi hanno permesso già all’età di 14 anni di esibirmi con insegnanti e ballerini professionisti in grandi eventi della mia città.
Ho deciso di dedicarmici totalmente, abbandonando la danza classica, perchè quando mi esibivo su una musica hip hop mi sentivo me stessa, libera di esprimere chi ero senza regole in campo. Con la danza classica non era possibile, in quanto la reputo una disciplina fondata sulla tecnica di controllo coordinato del corpo dove insegna disciplina ed eleganza, a differenza dell’hip hop che è una danza di strada estremamente dinamica, ritmica, un mezzo di espressione sociale caratterizzato da una maggiore libertà espressiva dove ogni tipo di energia viene trasformata in uno sfogo creativo.

Morgan Brutti

Durante il mio percorso di danza, in Italia, ho avuto la fortuna di avere tutti insegnanti professionisti del settore (per citarne alcuni : Rita Pavanello, Enzo Forleo, Olivia Lucchini, Luca Pulega e Michael Fields) che mi hanno fatta crescere artisticamente, dandomi delle eccellenti basi per migliorarmi sempre di più anche a livello professionale.
Nonostante i miei regolari studi nella mia città, Verona, ho inoltre continuato a seguire masterclass e corsi di aggiornamento in giro per l’Italia, studiando con coreografi di fama italiana ed  internazionale provenienti da tutto il mondo.

 L’Idea: Nel 2004 hai fatto parte della compagnia di danza Nu Era, con il quale hai vinto numerosi premi. Puoi parlarci di questa tua espeienza?

La compagnia Nu Era vincitrice del prestigioso concorso Dream On Dance Show 2008

Morgan Brutti: Si nel 2004 , all’età di 17 anni sono entrata a far parte di una importante compagnia di danza a livello nazionale chiamata inizialmente ‘’Teen Company’’ , in quanto eravamo un gruppo di teenager, per poi passare al nome ‘’NuEra’’qualche anno dopo.
Con loro ho avuto molte soddisfazioni sul campo ottenendo ottimi risultati a livello competitivo italiano.
Siamo saliti sul podio un paio di volte al concorso di danza ‘’Hip Hop Festival Valpolicella’’ capitale dell’Hip Hop nazionale  che è una delle manifestazioni più longeva e importanti del settore di interesse internazionale per numero di partecipanti e qualtà di gara , giudicata da una giuria internazionale considerata uno dei più grandi eventi hip hop dance d’Italia.
Ci siamo inoltre aggiudicati il podio per tre volte consecutive al prestigioso concorso di danza ‘’Dream On dance Show’’ aperto a tutte le scuole/compagnie del territorio nazionale italiano che intendono lanciare, attraverso la danza e la creatività, un messaggio forte e chiaro di prevenzione contro l’uso di sostanze stupefacenti e l’abuso alcolico. Tutto svolto da un team di professionisti della danza e del mondo dello spettacolo tra cui Veronica Lewis, direttrice della London Contemporary Dance School di Londra, Alphonse Poulin, direttore del Juilliard Dance Drama Music School di New York e Rosalina Subel Kassel, direttrice della Telma Yalin Dance School di Tel Aviv.
Sono stati indubbiamente anni di studio e di allenamento molto intenso che hanno trasformato l’impegno e dedizione in realtà allo stato puro! Un capitolo indimenticabile!

L’Idea: E poi hai vinto anora premi con le compagnie Play Funk e Dangerous Hdemy. Ci puoi dire qualcosa al proposito? 
Morgan Brutti: Certo! Quando ho preso parte a quest’altra crew di danza ovvero i ‘’Play Funk’’, erano già passati ben due anni gareggiando con l’altro team per cui avevo in parte già acquisito una notevole esperienza a livello competitivo e artistico, quindi quando ho cominciato a partecipare ad ulteriori concorsi con questa ultima crew mi sentivo già molto più sicura di me stessa e molto più competitiva nel voler guadagnare il podio con loro. Più passavano gli anni e l’esperienza e più la ‘’fame’’ del voler aggiudicarsi il podio era tantissima! Passavamo ore in sala prove ad allenarci e per quanto mi riguarda, quando partecipavamo a concorsi nazionali, il mio traguardo non era più confrontarmi con altri gruppi di danza, bensì dare il massimo per arrivare sul podio. Con loro ho avuto l’onore di vincere il Campionato Italiano di Montecatini Terme Fid 8Uisp, abbiamo vinto tre volte le Gare Di Coppa Italia a Bologna, Parma e Marina di Carrara nel 2006 e anche con questi mi sono aggiudicata il podio all ‘’Hip Hop Festival Valpolicella nel 2007. Insomma è stata una scalata sempre di più al successo.
Il team ‘’Dangerous Hdemy’’ è arrivato qualche anno dopo , in seguito a numerosi cambiamenti che erano avvenuti all’interno dei vari team, e devo dire che quest’ultima è stata una delle esperienze che mi ha arricchita di più e che mi ha fatto capire ancor di più quale sarebbe stata la mia strada come performer. L’hip hop si sa al giorno d’oggi ha molte sfumature ed è contaminato da vari stili di danza ed io, prima di passare a questo team arrivavo da un’altra ramo per cui aver avuto l’opportunità di studiare con Michael Fields  e Ricky Benetazzo, coreografi e professionisti affermati in Italia, mi ha sicuramente aperto gli orizzonti e arricchito artisticamente .
È stato duro lavorare con loro, passare da uno stile di danza a cui si è abituati all altro non è facile, ma devo dire di averne ricavato anche qui un ottima soddisfazione personale, tanto da aver vinto, dopo soli sette mesi di allenamento, il concorso nazionale ‘’Nogarole Dance’’. Non posso che non essere soddisfatta di tutto quello che ho ottenuto!

La crew Play Funk in uno spettacolo al Hip Hop Festival nel 2007

L’Idea: Nonostante tu appartenessi a varie compagnie di danza, hai anche continuato la tua carrier personale… 
Morgan Brutti: Si , in quegli anni posso veramente dire di essere stata immersa completamente nel mondo nella danza, confrontandomi non solo come parte di una compagnia ma anche come solista. Nonostante la mia giovane età e le paure di una sfida singolare che, si sa, subentrano in momenti di tensione ed agitazione, sono comunque riuscita ad aggiudicarmi il podio per tre volte nelle Gare di Coppa Italia abbattendo barriere e limiti che involontariamente si innescano in certe situazioni. Tutto questo mi ha aiutato, ma soprattutto insegnato, a non fermarmi mai e a credere nelle mie potenzialità. Ho inoltre rappresentato come ballerina il noto marchio Kit Kat Chocolate e partecipato anche individualmente ad eventi e show nazionali. È stato nettamente un salto di qualità che mi ha portato in seguito ad ottenere grandissimi risultati sul campo.

L’Idea: Ma ti sei hai anche esibita nei musical… 
Morgan Brutti: Esatto! Nel 2005 ho scoperto il mondo del musical ed è stato un percorso multidisciplinare mirato, a chi come me, volesse intraprendere una propria carriera artistica nel mondo delle arti ed intrattenimento in grado di rispondere alle diverse esigenze dello Show Business. Uno dei motivi per cui ho iniziato ad abbracciare il mondo del Musical è stata la mia passione per il canto, uno dei miei sogni da quando ero piccina, e così, unita dalla mia voglia di confrontarmi con sfide sempre nuove in ambiti nuovi, mi ci sono buttata a capofitto con il desiderio di apprendere e di formarmi come una performer versatile e completa.
A distanza di poco meno di due anni, nel 2007, sono diventata la protagonista del celebre musical ‘’Chicago’’, diretto dal mio insegnante Enzo Forleo, noto professionista a livello nazionale e nel 2008 la nostra compagnia ‘’Arts Studio Musical’’ si è aggiudicata il terzo posto, esibendosi su un pezzo del famoso film ‘’Hairspray’’ al concorso Nazionale ‘’Musical Day’’, importante vetrina a livello italiano per talenti emergenti dedicata al mondo del Musical con la preziosa collaborazione di importanti professionisti dello spettacolo e del musical.
È stata e rimane una delle esperienze artistiche più importanti ed interessanti in quanto ho avuto la fortuna di arricchire le mie capacità espressive nel modo piu ampio ed ha sviluppato e perfezionato le mie abilità individuali.
Mi ha senz’altro lasciato un bagaglio artistico inestimabile!

 

 L’Idea: Vedo che sei sempre superoccupata, Morgan, e che hai anche insegnato danza in quegli anni. Che cosa hai guadagnato da quella esperienza? 
Morgan Brutti: Dal 2004 al 2011, a soli 17 anni, ho cominciato ad insegnare danza in varie scuole della mia città, e per tutti questi anni ho cercato di trasmettere la mia passione e l’amore per questo lavoro a tutti i miei allievi .
Avere dei ragazzi da gestire non è stato facile, ma neanche impossibile, in quanto ho avuto la capacità, nonostante la mia giovane età, di entusiasmarli e motivarli, portandoli ad ottenere risultati molto fruttuosi tanto da far vincere al team ‘’Street Clown’’, creato da me, il premio speciale della giuria per la coreografia al Concorso Nazionale Hip Hop Riccione nel 2007. Questa opportunità professionale mi ha dato un forte senso del dovere nei confronti dei giovani allievi durante la loro preziosa fase di crescita ed è stata veramente un grande soddisfazione a livello personale.

Morgan Brutti ed il suo team Street Clown, vincitori del concorso Nazionale Hip Hop Riccione 2007

L’Idea: Nel 2011 venisti a New York per la prima volta e ci dimorasti per un anno…
Morgan Brutti: Gli Stati Uniti, per quanto riguarda la mia carriera artistica sono sempre stati il mio sogno; le opportunità lavorative sono sempre state maggiori rispetto all’Italia e così nel 2011 ho deciso di partire ed ampliare le mie conoscenze negli Stati Uniti e questa permanenza, nell’affascinante città di New York, mi ha permesso di studiare con coreografi e ballerini di fama mondiale. È stato sicuramente un anno molto difficile per me, mi mancava molto la mia famiglia e mi sentivo catapultata in un mondo del tutto nuovo, ma ciò che mi ha dato la forza di non mollare è stata la consapevolezza e la determinazione nel voler realizzare i miei sogni. Non lo dimenticherò mai!

Morgan Brutti. Photo Credit Brian Thomas

L’Idea: Dopo un breve ritorno in Italia sei tornata a New York. Che cosa è successo in questa tua seconda visita? 
Morgan Brutti: Nel 2014, dopo duro lavoro seguito dal mio rientro in Italia dopo la permanenza di un anno a NYC, sono riuscita ad ottenere il visto artistico riconosciuto solo ad artisti di vero talento e così mi sono trasferita nella Grande Mela, dando vita a tutti gli effetti al mio sogno e alla mia carriera. Il mio percorso è stato poi tutto in ascesa in quanto ho avuto l’opportunità di lavorare per HBO Latino, Yandel, Good Morning America, Pepsi Cola, Joy Villa e The Cake Boss, per citarne alcuni.
Ma uno dei miei più grandi traguardi  è aver avuto l’opportunità di lavorare con le più grandi star di Bollywood come Katrina Kaif e Salman Khan in una tournée negli Stati Uniti e Canada. Avere l’occasione di prendere parte ad una tournéè come ballerino professionista è sicuramente il sogno di molti!

Morgan Brutti durante l’esibizione live per il programma televisivo HBO Latino a NYC

 L’Idea: Wow, hai già avuto una carriera impressionante nonostante tu sia ancora molto giovane! Vedo che però ti sei già spostata dalla Grande Mela. Come mai? 
Morgan Brutti: Quest’anno, dopo vari anni passati a New York City, ho deciso di trasferirmi a Los Angeles per ragioni di opportunità lavorative nel mio settore.
New York mi ha indubbiamente dato tantissimo, ma Los Angeles è sempre stata la mia meta a livello lavorativo. I ballerini che si vedono maggiormente in video musicali, pubblicità o programmi televisivi nascono tutti da qui, nella città degli angeli, a differenza della Grande Mela che è più incentrata sul mondo del musical a Broadway.
Questa è sicuramente la città giusta per chi, come me, vuole continuare a svolgere questo tipo di professione.

Morgan Brutti. Photo Credit Jarrett Ares

L’Idea: Hai altri progetti in lavorazione?
Morgan Brutti: Uno dei progetti a cui sto lavorando è quello di frequentare un accademia di musica per focalizzarmi nel canto, il quale è sempre stato uno dei miei sogni sin da bambina.
Nonostante la mia carriera da ballerina vorrei anche riuscire ad intraprendere una carriera da cantante e unire queste due professioni l’una con l’altra, come molti artisti del giorno d’oggi.
La musica mi ha accompagnato sempre ed è tuttora il sottofondo della mia vita e credo lo sia per tutti; la musica rende felici, fa stare bene ma soprattutto ci da forza, è vita, e a me piacerebbe trasmettere tutte queste emozioni attraverso questa forma d’arte. Sarà una strada in salita, lo so, ma come dice il proverbio ‘chi si pone delle mete deve avere il coraggio di raggiungerle!’

Morgan Brutti durante la tourneè negli Stati Uniti con il DA BANG The Tour Reloaded

L’Idea: Dove pensi di trovarti fra dieci anni? 
Morgan Brutti: Fra 10 anni penso e credo di aver realizzato e di essere arrivata dove ho sempre desiderato, lottando e facendo tanti sacrifici per arrivare alla meta che mi sono proposta. Tutto quello che faccio per me non è un peso, anzi, l’importante nella vita è portare a termine ciò che si inizia.

L’Idea: Un messaggio per i nostri lettori?
Morgan Brutti: Essere artisti è una propensione dell’anima e la soddisfazione più grande è quando ciò che tu fai viene riconosciuto ed apprezzato. Detto questo invito tutti a non arrendersi mai e a lottare per i propri sogni!

Portare La Musica Italiana Nel Mondo: Dal Barocco Al Pop, Dalla Classica a Quella D’emigrazione. Intervista Esclusiva Con Elena Buttiero e Ferdinando Molteni. [L’Idea Magazine aprile 2019]

 

Portare la musica italiana nel mondo: dal barocco al pop, dalla classica a quella d’emigrazione. Intervista esclusiva con Elena Buttiero e Ferdinando Molteni.

Intervista di Tiziano Thomas Dossena

Il 17 aprile prossimo, presso la Casa Italiana della New York University, Elena Buttero e Ferdinando Molteni presenterano lo spettacolo “Verso Nuova York, Stories and Music of Italian Migration” e ci hanno gentilmente concesso un’intervista.

L’Idea: Questo imminente spettacolo negli USA, nella prestigiosa sede della Casa Italiana Zerilli Marimò della New York University non è di certo la vostra prima esperienza americana o all’estero. Come avete trovato il pubblico statunitense in passato? Avete notato delle differenze nel modo che il pubblico si manifesta nelle varie nazioni?
Elena Buttiero: La nostra prima trasferta negli Usa è avvenuta nel 2009 ed annualmente ritorniamo per qualche data. Il pubblico americano è particolarmente interessato alle nostre proposte che sempre riguardano la musica italiana.
Ferdinando Molteni: Siamo stati molte volte negli Stati Uniti a suonare. Non solo a New York, ma anche in tante altre città. Abbiamo sempre trovato un pubblico attento e rispettoso. Certo, New York da questo punto di vista è speciale. L’amore che manifesta per la cultura italiana è unico. In Europa, ancora una volta, abbiamo incontrato persone interessate e curiose. E persino in Africa, dove abbiamo suonato qualche anno fa. L’Italia è amata e apprezzata ovunque.

L’Idea: Da dove è saltata fuori l’idea per questo vostro spettacolo sulla migrazione italiana negli USA? Come si sviluppa questo vostro spettacolo bilingue? Porterete questo spettacolo anche in altri teatri?
Ferdinando Molteni: Questo progetto è nato qualche anno fa. Le nostre regioni di origine – il Piemonte e la Liguria – hanno avuto una lunga stagione di emigrazione verso le Americhe. Personalmente ho avuto un avo che ha lavorato alla ricostruzione di San Francisco dopo il terremoto del 1906. E la famiglia di mia madre è imparentata con il Generale Belgrano, eroe dell’Argentina. Elena ha avuto antenati che da Genova si sono imbarcati per il Sud America.  Ma in tante famiglie delle nostre parti si possono trovare storie simili. Dunque il nostro rapporto con le Americhe è profondo.

L’Idea: Voi avete lavorato assieme anche in altri progetti musicali, in passato. Potete parlarcene? 
Elena Buttiero: Nel campo della musica antica abbiamo due progetti che uniscono musica e storia: uno con la formazione Arethusa Consortium dedicato alla musica barocca italiana ed al rapporto tra la musica del nostro paese e le sue influenze sulla la musica di Scozia ed Irlanda.

Recentemente abbiamo dato vita ad un progetto legato ad un fatto storico avvenuto nel 1795 nel Mar Mediterraneo di fronte alla nostra città nel quale si sono fronteggiate in una storica battaglia navale le navi inglesi, francesi e del Regno di Napoli.

Ferdinando, che di formazione universitaria è uno storico, si occupa dell’inquadramento storico dell’evento ed io con altri musicisti mi occupo delle musiche dell’epoca. Abbiamo girato pochi giorni fa un filmato per il National Geographic sull’evento.

Ferdinando Molteni: Ci siamo dedicati in questi ultimi anni in particolare alla canzone d’autore italiana. Abbiamo lavorato sulla musica di Luigi Tenco soprattutto. Ma Elena ha suonato anche tanta musica classica.

L’Idea: Signora Buttiero, lei è musicista e insegnante.  Suppongo che abbia delle grandi soddisfazioni in ambedue le attività, ma come riesce a trovare il tempo per i concerti e le altre performances? 
Elena Buttiero: L’insegnamento assorbe molto temo ed energie, ma non a scapito delle esibizioni, dello studio e della ideazione di progetti musicali nuovi. Ogni anno per poter volare negli States utilizzo dei permessi che la scuola italiana consente ai docenti di materie artistiche per svolgere attività musicale dal vivo.

L’Idea: Quale è stato il progetto più difficile, dal punto di vista musicale, al quale ha partecipato?
Elena Buttiero: Negli ultimi anni ho suonato come musicista di scena in spettacoli teatrali. Per affrontare questo ruolo ho dovuto abbandonare le abitudini di palco da musicista classica. Anche se l’impegno personale all’interno della spettacolo è ridotto rispetto all’impegno in un rècital, mi sono accorta che ho affrontato la nuova esperienza con una certa apprensione.

L’Idea: Signor Molteni, lei scrive, compone musica, canta. Un vero e proprio rappresentante del concetto rinascimentale, un artista a 360 gradi. Complimenti. Vedo che ha scritto molto su Luigi Tenco. L’affascina questo personaggio della musica italiana? Ci parli un poco di questi testi.
Ferdinando Molteni: Ho dedicato a Tenco un po’ del mio lavoro. È un artista che amo e che rispetto. Forse la cosa più importante che ho fatto è un libro, intitolato “L’ultimo giorno di Luigi Tenco”, uscito qualche anno fa per l’editore Giunti.

L’Idea: Chi è l’artista con cui ha lavorato che le ha fatto più impressione?
Ferdinando Molteni: Da giovanissimo, ho avuto la fortuna di lavorare con Giorgio Albertazzi. Se devo pensare a qualcuno, penso a lui.

L’Idea: Avete un messaggio da inviare ai nostri lettori in America?
Elena Buttiero e Ferdinando Molteni: Non dimenticate l’Italia. Come l’Italia non dimentica voi.

Mary Rorro, La “Dottoressa Violino”, Un’intervista Esclusiva [L’Idea Magazine 2018]

Un’intervista di Tiziano Thomas Dossena. Traduzione di Valentina Lo Monaco

In un libro di Lisa Wong intitolato “Scales to Scalpels, Doctors Who Practice the Healing Arts of Music and Medicine”, era soprannominata “Dottoressa Violino”. Stimata psichiatra e talentuosa suonatrice di viola professionista, che fa uso della musica per guarire i veterani, la Dottoressa Mary Rorro è anche molto altro, e siamo orgogliosi di presentare un’intervista esclusiva a questa luminosa stella della medicina, alla costante ricerca di nuovi metodi per aiutare i suoi pazienti.

Tiziano Thomas Dossena: Lei è una psichiatra che lavora insiemi ai veterani che soffrono di disordine da stress post-traumatico, e che fonde musica e poesia nell’esercizio della professione.
Dottoressa Mary Rorro: All’età di sei anni e mezzo, mia madre mi mostrò il piccolo violino che suonava quando era bambina. Adoravo quel violino, lo trascinavo con me ovunque nella sua minuscola custodia. Io, mia madre, e il mio talentuoso fratello Michel, suonavamo insieme per la Suzuki records, e ascoltavamo arie italiane e canzoni napoletane con i nonni. Sono stata testimone del potere della musica per la prima volta mentre mio nonno stava morendo nel suo letto d’ospedale. Ho suonato per lui la serenata di Toselli, una delle canzoni che preferiva e di cui spesso faceva richiesta. Le sue ultime parole furono “Ancora musica”. Durante il liceo facevo la volontaria in ospedale, e mia madre mi incoraggiava ad intrattenere i pazienti malati di cui mi occupavo. Ha assistito mentre suonavo per un paziente malato di cancro, affetto da depressione, che non aveva parlato per mesi, e che all’improvviso aveva cominciato a intonare i Canti di Natale accompagnato dal mio violino, facendo piangere le infermiere. Quel momento di profonda ispirazione mi ha influenzata a tal punto da combinare il mio desiderio di diventare medico con la passione per la musica, che sarebbe poi diventata parte integrante della mia professione. Quel giorno riconoscemmo il potere guaritore della musica per coloro che soffrivano. Mia madre era così orgogliosa. Volevo renderla felice condividendo la musica con gli altri, con coloro che ne avevano un bisogno estremo.
Mi sono laureata in musica e ho studiato biologia come materia secondaria al Bryn Mawr College, ed ho ricevuto il primo Performing Arts Prize, mai conferito prima dal college. Il Bryn Mawr incoraggiava le opportunità di leadership per le donne e l’assistenza al prossimo. Ho organizzato due concerti di beneficienza per l’ospedale St. Christopher per i bambini malati di AIDS, in qualità di presidente e prima violinista della Bryn Mawr-Haverford College Symphony. Ho sviluppato un programma per la facoltà di medicina e psichiatria chiamato “Musical Rounds: The Next Best Thing to Grand Rounds” e “From Soup to Notes,” da suonare alle mense per i poveri.

“Mani che danno ricevono.”

Tiziano Thomas Dossena: Oltre alla sua professione, ha anche creato un programma di volontari con un obiettivo simile, “A Few Good Notes.” Può parlarcene?
Dottoressa Mary Rorro: Considerando il riscontro così entusiastico per le mie esperienze musicali precedenti, volevo introdurre la musica nelle vite dei veterani della mia clinica e del Sistema Sanitario per Veterani del New Jersey. Ho avviato un programma chiamato “A Few Good Notes”, nel quale suono la viola per i pazienti durante le sessioni di terapia di gruppo e individualmente nel mio ufficio. Alcuni dei miei pazienti in passato suonavano, ascoltarmi li ha incoraggiati a riprendere in mano i loro strumenti musicali e ad unirsi al programma. Uno dei miei pazienti ha coinvolto il suo complesso di Dixieland per intrattenere insieme a me i pazienti della casa di riposo per veterani di Lyons. La stanza, fino a quel momento silenziosa, è stata trasformata all’istante dal suono dei pazienti che cantavano seguendo il ritmo. Un altro paziente, dopo avermi sentita suonare “Amazing Grace” in ufficio, si è sentito stimolato a riprendere la sua chitarra, e dopo aver contemplato le parole della canzone, ha anche iniziato a leggere la Bibbia.
Ho intrapreso un programma al Centro per Veterani che ha lo scopo di fornire lezioni di chitarra gratuite per veterani, permettendo loro di provare in prima persona la gioia della musica. Abbiamo degli insegnanti di chitarra volontari che mettono generosamente a disposizione il loro tempo, e questo consente di creare un coinvolgimento con altri veterani nel Guitar Instruction Group (GIG). La clinica ora è pervasa dal suono dei veterani che strimpellano i loro strumenti, e la lista d’attesa per le lezioni è decisamente lunga.
Ogni anno cantiamo negli ospedali di Lyons e dell’East Orange, e reclutiamo altro personale disposto a condividere il proprio tempo ed il proprio talento con i veterani. Il programma è stato esteso nazionalmente all’interno del VA (Veteran Affairs). Alcuni pazienti e volontari che fanno parte del nostro comitato Healing Arts, portano le loro chitarre o altri strumenti e suonano accompagnando la mia viola.
La musica porta alla luce le storie dei pazienti, ad esempio un veterano del Vietnam ha raccontato di come il suo plotone abbia cantato Silent Night su una collina in Vietnam, e di come questo abbia determinato un cessate il fuoco per la Vigilia di Natale. La musica rievoca forti emozioni e consente a me e agli altri terapisti di processarle insieme ai pazienti durante la terapia gruppo.
Il programma è stato presentato da WQXR (l’ex stazione musicale del New York Times), da radio WNYC, sul sito internet del Dr. Oz, dalla Società per lo Studio dello Stress Traumatico e da AOL nella sua “homepage for Heroes”. Sono stata chiamata “Dottoressa Violino” nel libro “Scales to Scalpels, Doctors Who Practice the Healing Arts of Music and Medicine” di Lisa Wong, dottoressa in medicina.

Princeton Memorial ceremony at Monument Hall

Tiziano Thomas Dossena: È evidente che lei abbia una vocazione per la musica, e per questo è diventata una violista professionista. Quando ha scoperto invece la sua vocazione per la medicina, e in particolare per la psichiatria?
Dottoressa Mary Rorro: Quando avevo quattro anni, ero in macchina con mia madre, e lei mi chiese cosa volevo diventare da grande. Risposi velocemente: “Un dottore, perché voglio aiutare la gente.” I miei genitori mi hanno sempre incoraggiata nel perseguimento del mio sogno, del quale non ho mai dubitato. Sono stata influenzata da molti membri della mia famiglia, che consideravo modelli da seguire. Ho passato diverso tempo nell’affollato ambulatorio di assistenza primaria di mio padre, e osservavo i pazienti uscire da suo ufficio pieni di gratitudine. Al mattino presto faceva le visite a domicilio per persone che sapeva non avrebbero potuto pagare, ma lui le aiutava con devozione. Mia zia, Mary A. Rorro, dottoressa in medicina, fu una delle donne medico pioniere nel suo campo. Suo zio, soprannominato “Zio Doc”, si laureò alla Hahnemann Medical School, e la incoraggiò a frequentarla sin da piccola. Samuel Alito Senior, padre di Samuel Alito, Giudice della Corte Suprema, fu il suo insegnante al liceo e la premiò con la medaglia della scienza. Sapeva che voleva diventare un medico, e le disse: “Non lasciarti mai scoraggiare dal tuo sogno.” Conserva ancora la busta della sua pagella, sulla quale scrisse queste ed altre parole di incoraggiamento per il suo futuro, che considerava estremamente preziose. Si laureò alla Hahnemann nel 1958, e sposò mio zio Al. Mia zia Celeste ha conseguito il dottorato in Formazione e fu Direttrice del “Teacher Certification and Academic Credentials” del New Jersey.
Mi interessai alla psichiatria dopo una rotazione all’ospedale pubblico del New Jersey, presso la scuola di medicina UMDNJ-SOM. La facoltà di psichiatria mi sembrava il modo perfetto per unire la narrativa, la creatività e l’arte all’interno della professione medica. Entrai nel programma di formazione psichiatrica della Facoltà di Medicina di Harvard, e cominciai a lavorare con i veterani all’interno del VA System, e in altri istituti di salute mentale a Boston, inclusi gli ospedali McLean e Cambridge. Dopo la specializzazione ho conseguito una borsa di studio in Medicina delle Dipendenze presso il Massachusetts General Hospital. Gli anni di sperimentazione e formazione, i lunghi turni di notte, le lenzuola ruvide su cui dormivo, sono completamente ripagati quando qualcuno dice: “Mi hai cambiato la vita.” Lo considero come un complimento ai miei genitori, perché senza il loro costante amore e supporto, non potrei aiutare i miei pazienti e ascoltare queste parole.

Tiziano Thomas Dossena: La sua poesia è molto toccante e ispiratrice, evoca immagini di guerra e anime straziate. Scrive solo delle esperienze dei veterani?
Dottoressa Mary Rorro: Le storie traumatiche dei veterani, di dolore e perdita, mi hanno portata a scrivere delle poesie destinate ad aiutarli e onorarli. Alcune poesie riflettono il tema del disturbo da stress post-traumatico (PTSD), nonché le memorie intrusive, gli incubi e i flashback. Altre riguardano eventi traumatici più specifici, e argomenti quali ferite morali e sindrome del sopravvissuto. I racconti dei pazienti, spesso toccanti, a volte spaventosi, erano coinvolgenti. La poesia era diventata il luogo in cui potevo prima processare e in seguito esprimere le emozioni travolgenti che provavano. Ho iniziato a condividere la mia poesia, con la speranza di aiutarli a sviluppare una connessione e progredire con la terapia. Le poesie hanno aperto un nuovo dialogo su alcuni aspetti delle loro storie che probabilmente non avrebbero toccato durante una visita standard sulla gestione dei farmaci.
Scrivo anche poesie e haiku di altro genere, basate su temi spirituali e naturali; compongo canzoni e testi di canzoni.

Tiziano Thomas Dossena: Ha ricevuto innumerevoli premi sia per la sua attività filantropica sia per il suo lavoro professionale. Per quanto siano tutti importati e più che meritati, ce n’è uno in particolare che per lei ha significato di più? Perchè?
Dottoressa Mary Rorro: Ce ne sono alcuni particolarmente significativi. Un premio che ha avuto un significato particolare è quello ricevuto dall’American Foundation of Savoy Orders, un ordine dinastico in Italia. La Medaglia di Bronzo dei Santi Maurizio e Lazzaro per opere caritatevoli è stata conferita all’interno della St. Patrick Cathedral di New York. È stato estremamente emozionante salire gli scalini dell’altare principale per ricevere la bellissima medaglia di bronzo e la proclamazione di Vittorio Emanuele. Un’altra esperienza indimenticabile è stata l’esibizione durante la Celebrazione Centennale della messa nella chiesa Holy Rosary a Washinton D.C., alla quale erano presenti il Giudice della Corte Suprema Samuel A. Alito Junior, Antonin Scalia e Nancy Pelosi. È stato un onore essere introdotta nella Italian American National Hall of Fame lo stesso anno del Giudice della Corte Suprema Samuel A. Alito Junior.
Il premio della Planetree organization’s Patient-Centered Excellence and Innovation (assegnato a livello internazionale ad 1 su 10 individui o programmi) per il mio programma “A few Good Notes” di Chicago, è stato molto significativo, poiché è stata riconosciuta l’importanza di aiutare i veterani attraverso l’arte.

Tiziano Thomas Dossena: Suo padre era un dottore e sua madre è un’icona per la comunità italo – americana del New Jersey. In che modo questo ha influenzato la sua vita personale e le sue scelte professionali?
Dottoressa Mary Rorro: Mio padre, ormai scomparso, Dottor Louis Rorro, era un medico che aiutava con devozione i pazienti all’interno della comunità. Mia madre, Dottoressa Gilda Rorro, era educatrice e amministratrice del Dipartimento di Formazione, e lavorava per i diritti civili. Si è recata ad Haiti in numerose occasioni per istituire programmi di scambio fra gli studenti di Haiti e del New Jersey. Negli ultimi vent’anni ha lavorato instancabilmente per servire gli italo – americani della comunità in qualità di Viceconsole Onorario e di Presidente dell’Italian Heritage Commission del New Jersey. Ha ricevuto un’onorificenza dal Presidente italiano per aver sviluppato il suo programma di insegnamento, inserendo lo studio del patrimonio culturale italiano all’interno di tutte le scuole del New Jersey. I miei genitori mi hanno trasmesso l’apprezzamento per la lingua e la cultura italiana, e ci riteniamo fortunati ad avere dei preziosi amici e familiari in Italia. Anche Joseph, il mio meraviglioso marito, condivide la mia passione per la cultura e la musica italiana, ci siamo conosciuti in un circolo italiano durante la mia specializzazione in psichiatria a Boston. L’efficienza e la dedizione dei miei genitori per le loro carriere mi hanno motivata a perseguire la mia professione, ed ero profondamente fiera di ciò che avevano raggiunto. Sono stata cresciuta senza alcuna limitazione su ciò che una ragazza o una donna può ottenere. Per quanto i miei genitori fossero occupati, si sono sempre impegnati attivamente per il mio sviluppo, portandomi a lezioni di musica, concerti, e viaggi in Europa per ampliare la mia istruzione. Sono stati dei mentori eccezionali che hanno influenzato la mia vita, e da loro ho ereditato il valore di essere a servizio degli altri, e mi adopero per portarlo avanti. Il loro regalo per il diploma fu la mia viola, ed è qualcosa che continua davvero a donare. Sarò per sempre in debito con i miei genitori per avermi guidato nel perseguimento del mio obiettivo di diventare dottoressa, e grata per avermi aiutato a trasformare il mio sogno in realtà. Si sono consacrati con un impegno autentico a me e alla comunità. L’amore e la devozione dei miei genitori mi hanno consentito di essere un medico e una musicista appagata, e aspiro ad aiutare molte altre persone, vivendo secondo il loro esempio.

Dr. Mary Rorro suona the viola per la madre Gilda nell’occasione della presentazione al pubblico del libro di memorie “Gilda, Promise Me”

Tiziano Thomas Dossena: Ci sono nuovi progetti all’orizzonte?
Dottoressa Mary Rorro: L’essere al servizio dei veterani è per me una missione patriottica. Mi hanno insegnato moltissimo sul sacrificio e sulla resilienza. La fusione della musica e della poesia all’interno della mia professione è un privilegio, e costituisce un mezzo gratificante e creativo per intensificare il legame medico-paziente. Sono stata testimone dei potenti effetti che l’arte può avere sui pazienti, e spero di poter condividere la mia raccolta di vignette e poesie con più veterani. Ho intenzione di continuare ad espandere il programma “A Few Good Notes” in modo che più pazienti possano farsi coinvolgere dalla musica e dall’arte, strumenti preziosissimi da utilizzare nel loro viaggio verso la guarigione.

Veterani all’ascolto della musica del  Dr. Mary Rorro. (Clicca per vedere un video su YouTube)

Arriva Sul Mercato Discografico Il Magnifico “The Archinauts”: Intervista Esclusiva Con Ivan Santovito Della Band ISProject (L’IDEA MAGAZINE)

11 Agosto 2018

Arriva sul mercato discografico il magnifico “The Archinauts”: Intervista esclusiva con Ivan Santovito della band ISProject

Intervista di Tiziano Thomas Dossena

Sull’onda del debutto discografico del CD The Archinauts, la band ISProject sta avendo successo di critica e di pubblico, facendo tours e partecipando a vari concerti/festival. Abbiamo avuto l’occasione di intervistare Ivan Santovito, che con Ilenia Salvemini forma questo simpatico duo musicale.

L’Idea: Quando e come è nata questa band? Quali sono le vostre esperienze pre-ISProject?
IVAN: La band è nata nel 2013, dopo una definitiva chiusura con il passato e con tutti i gruppi in cui militavo allora.  Uno di questi era una band prog tranese che si sciolse nel momento in cui l’abbandonai. Ero tastierista, bassista e violinista. Questa esperienza mi ha insegnato molto e mi ha dato la spinta per comporre materiale personale finché, nell’agosto del 2013, composi il primo brano, The Mountain of Hope. Fu il brano che decretò il coinvolgimento di Ilenia nel progetto. Ilenia ha studiato danza classica per più di un decennio, ha militato in gruppi canori diversi finché non le proposi di cominciare questa avventura con me. E così nacque Isproject.

L’Idea: Il vostro album di debutto, The Archinauts, sta avendo molto successo. Di chi sono le musiche? E i testi? Qual e’ stata l’ispirazione per questo album? In che lingua sono i  testi? A cosa si riferisce il titolo?
IVAN: Ho composto testi e musica con il grande aiuto di Ilenia per l’arrangiamento vocale e di Giovanni Pastorino (tastierista e pianista) per il ruolo di co-arrangiatore di tutte le tastiere. Le tematiche sono tratte dai testi di Ho venduto la morte all’amore di Nicola Boccadoro, un nostro carissimo amico e collega, riguardanti architettura, filosofia e società, il tutto aderente al vissuto fino a quel momento. Ho scelto di comporre in inglese per accostarci nel miglior modo possibile alla musica, decisamente international nei modi, così da potergli dare ampio respiro e grandi possibilità di diffusione . E così è accaduto 😉

L’Idea: Il vostro sito definisce la vostra musica come post-progressive. Potresti chiarire che cosa vuol dire? 
IVAN: Post-progressive per noi è lo step successivo rispetto al prog dagli anni ’70 ai ’90. È, come l’ha definito qualcuno, “guardare oltre il progressive”.  Adottiamo questa nomenclatura (e quella di Art Rock), di natura così vasta ed identificabile, proprio perché riteniamo inetichettabile il tipo di musica che proponiamo.
Effettivamente ci rendiamo conto di quanto sia indecifrabile ciò che stiamo facendo, è assolutamente visionario, da trip mentale (come ci ha suggerito più di un fan). Proprio questa impossibilità nel collocare la nostra musica ci rende orgogliosi ed è per noi un segnale verso la giusta rotta.
Vedere il range di fans allargarsi sempre più, dai fruitori di Rock Progressivo Italiano al Pop, al metal, al cantautorato e alla musica classica, ci colloca di diritto tra gli “sdoganatori della musica di nicchia”.

L’Idea: Quali sono le influenze più notevoli sulla vostra musica? Chi sono i musicisti che voi ritenete più rilevanti come punto di riferimento per la vostra musica?
IVAN: Sicuramente Steven Wilson che, grazie alla sua fervida cultura e capacità d’innovazione, ha sdoganato la cosidetta “musica colta” e ha dato modo alla nostra generazione di guardare oltre il prog; poi gli Anathema, dei quali abbiamo conosciuto il frontman Vincent e la frontwoman Lee : assolutamente fantastici!
Poi Ayreon di Arjen Lucassen (è un simpaticone!), i Muse, Sufjan Stevens, Epica. La lista è davvero lunghissima!

L’Idea: A giorni parteciperete al 2day prog+1 festival, un grande onore per una band esordiente. Ci andrete con nuove canzoni o porterete canzoni del vostro album?
IVAN: Porteremo tutto l’album The Archinauts più alcune cover. Preferiamo non rivelare i nuovi brani, in fase di composizione e arrangiamento per il secondo album, per poter dare maggior lustro a ciò che stiamo concependo. Nel frattempo prepariamo date nuove tra cui proprio il festival Verunese. L’onore di suonare in un così importante evento è indescrivibile, e non vediamo l’ora di conoscere le altre bands : Threshold, Kyros, Ange, Von Hertzen Brothers, Vanilla Fudge, ect. Sarà bellissimo condividere il palco (e il pianoforte) con Gianni Nocenzi, il pianista del Banco del Mutuo Soccorso!

L’Idea: Quando suonate dal vivo in concerto, siete tutti e due strumentisti? Vi avvalete di altri musicisti?
IVAN: Solitamente suoniamo in due set : in duo e full band. Io in veste di pianista/co-tastierista/seconda voce e Ilenia di voce principale, cantando anche parti che nell’album sono state interpretate da me (diversificando così l’esperienza live da quella in studio). Al 2Days Prog + 1 Festival saremo al completo (batterista, bassista, chitarrista e co-tastierista). La “retroguardia” di musicisti sarà fenomenale, grazie alla presenza di talenti giovanissimi che ci accompagneranno anche in altre date future.

L’Idea: Avete altri progetti in lavorazione? Una tournée? Incisioni? Altre collaborazioni?
IVAN: Collaborazioni ci sono e ci saranno sempre, è bellissimo interagire con i colleghi così da poter crescere sempre più. Tra impegni lavorativi e concerti (che ci porteranno in un altro continente nel 2019), si sta lavorando e organizzando tutto ciò che riguarda il secondo album che, come ho anticipato in precedenza, è in fase di composizione/arrangiamento. Ciò che si sta producendo presenta caratteristiche decisamente nuove rispetto a The Archinauts. Già dalle prime note si evince l’immenso passo avanti rispetto all’album di debutto, soprattutto per la presenza di Special Guest Stars internazionali.
Questo step ci porterà verso nuove prospettive e nuove frontiere, per crescere sempre e sempre più e poter scalare vette sempre più estreme.